No quedan muchos días de fiestas, así que no hay tiempo que perder: os recomiendo encarecidamente que vayáis a ver The artist.

Es una de las películas más sorprendentes del año pasado. En primer lugar, llamará la atención el hecho de que es muda, que no es poco. Glorioso blanco y negro. Y que aplicando una forma de hacer cine, que lleva 80 años considerándose como pasada de moda, consigue narrar una historia cargada de sensibilidad y preparada para los ojos del siglo XXI. Extrañamente maravillosa. Y viene a demostrar que algo se perdió con la llegada del cine sonoro, que de algún modo hemos olvidado a leer las imágenes por sí mismas.

Sí, es muda. Pero no es un mero truco para llamar la atención de una audiencia exhausta de tecnologías aplicadas, altas definiciones y experiencias al límite. Es muda porque no podría ser de otro modo.

La partitura musical Ludovic Bource, es una delicia.

Pero lo mejor, él. Jean Dujardin. Su sonrisa atemporal. Nadie lo hubiese hecho mejor.

No hay tiempo que perder: corred a ver The artist. En una pequeña joya que no os debéis perder.

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Ha sido muy duro, pero estoy muy orgulloso de haber alcanzado el objetivo: llegar hasta el final, rodarla y estar convencido de que no hubiese podido ser mejor de otro modo.

Me gustaría dar las gracias uno a uno a todos los que han hecho posible este sueño. Lo haré, desde estas mismas páginas, dedicándoles el tiempo y la atención que se merecen.

Por lo pronto, aquí os dejo el trailer de la película. Espero que os guste verlo, tanto como a nosotros hacerlo.

-Roque.

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La película se desinfla con un par de traiciones al pacto de verosimilitud que firma en los primeros minutos. En fin, la trama llega exhausta al último acto, desluciendo considerablemente el numerito del Golden Gate.

Sobre James Franco, una aclaración: este chico según la película, puede salir feo, normal o guapo. En esta le toca salir normal. Eso es así.

En resumen: ya me había parecido que Tim Burton había bajado el listón del mundo simio. Pues no, seguimos sin tocar fondo.

Feliz verano.

-Roque.

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Ayer asistí al estreno de Primos de Daniel Sánchez Arévalo, una premiere por todo lo alto, a tres salas, de las de Kinépolis, ni más ni menos. Allí estaban todos: el equipo al completo, la crème de la crème del cine patrio, la ministra y el genial Pepe Ocio. Eso no se ve todos los días.

También fue fantástico reencontrar a parte de mis compañeros en la ya, gracias a Dios, extinta, Ana y los 7. Aquel fue mi primer trabajo en la gran ciudad. Entré como meritorio, a conducir y a llevar a actores a su casa. Cuando eres meritorio, todo el mundo es tu jefe. Yo tuve la suerte de que mi jefa suprema fuese Alicia Yubero, la directora de producción de la mencionada serie y de la película Primos. Siempre me alegra ver a Alicia, para mí siempre ha sido un modelo a seguir. Desde aquí le mando un beso enorme. Te llamo la semana que viene.

También pude ver en los créditos a otros conocidos como Nacho Lozano o Nerea Orce, jefes míos antaño, y que siguen dando caña, haciendo buen, buen cine.

Y es que Primos es una de esas comedias románticas refrescantes, sencillas y amables, como hace tiempo que no se prodigan por las salas. Le auguro buena trayectoria en taquilla. Gustará, porque los actores están fantásticos, porque la película no decae y porque el sabor de boca que deja invita a sugerirla al salir del cine.

Quim Guitérrez, Raúl Arévalo y Adrián Lastra están fantásticos, puede que en algún momento excesivos, pero perdonable. Igualmente maravilloso el respaldo de secundarios, niño incluído. Por cierto, brillante el niño, Marcos Ruiz. Y brillante Clara Lago.

Mención especial para la fotografía: Juan Carlos Gómez. Bravo. Qué azules y verdes.

La trama. Novio plantado en el altar, Quim, encuentra consuelo en sus primos: uno testosterónico, Raúl, y otro hipocondríaco, Adrián. Plan: regresar al pueblo del veraneo adolescente, Comillas para más señas, en plenas fiestas, a por la novia de aquel entonces. El resto, hay que verlo.

Plan 10 para el fin de semana.

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Alex de la Iglesia dice que se va. Y yo digo que hacía tiempo que no veía a alguien tan coherente como él.

A la Ley Sinde no había por donde cogerla. Y tal y como me temía, los políticos pactan a hurtadillas un parche para que al engendro no se le caiga el ojo cuando sonría. Los políticos bien merecerían un escarmiento. Y que nadie se sorprenda de que pronto todos empecemos a llevar un puño americano en el bolsillo. Por si acaso.

Alex intentó mediar y consensuar. Se dio cuenta de que el planteamiento tenía errores y trató de cambiar de opinión. ¡Oh, Dios mío! ¡Trató de cambiar de opinión! Pecado capital. Mientras, por detrás, se escribía el verdadero guion.

Pero idiotas, a Internet no se le pueden poner puertas.

¡Bah, qué aburrimiento! Aborrezco una ley que no da garantías para emprender.

En fin, que espero que Alex de la Iglesia se despache a gusto en la gala de los Goya, que aquí estaremos para citarlo y aplaudirle, como ya hiciéramos hace un año.

Y ahora me voy a comprarme todos los DVDs de Alex.

-Roque.

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2010 ha sido un gran año, pero 2011 será uno mejor, porque es hora de sonreír y dar muchos besos. Y los malos, que se vayan al infierno.

Este mensaje es para ti. Lo sabes.

Ahora dale al play, sube el volumen y activa la pantalla completa.

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Esta película del año 1947 es la única que Bela Lugosi rodó en color, y es un ejemplo claro de la espiral de autodestrucción en la que se había visto sumido el actor húngaro durante los últimos años de su vida.

La película arranca en una sala de autopsias. Un cartel de “CENTRAL CITY MORGUE”, traducido al español por “Instituto anatómico forense” seguido de un “AUTOPSY ROOM – KEEP OUT” son los primeros planos de esta bochornosa película. Entran a la sala un doctor y su ayudante. En una mesa central se encuentra un cadáver cubierto por una sábana. Las primeras líneas de diálogo ya nos dan la pista de que no estamos ante una película normal:

–¿Es este el cuerpo?
–Sí, doctor. En la policía están particularmente ansiosos por determinar la causa de la muerte lo antes posible.

El doctor destapa únicamente la cabeza del cadáver. Se lamenta:

–Es una pena, era una mujer muy hermosa. Odio hacerle la autopsia a una mujer hermosa.
–No tiene elección, doctor.
–Es muy inusual, no hay señales de violencia en el cuerpo, ¿qué sospechan? ¿Veneno? ¿Tiene alguna idea?
–Tengo entendido que las autoridades no tienen ni la menor idea de cómo la mataron, saben por qué, pero no quién la mató.
–Sí, eso ya no importa. Nuestro trabajo consiste en averiguar lo que la mató. Sin embargo, uno se pregunta a menudo: ¿cuál pudo ser el último pensamiento que fue interrumpido por la muerte? ¿Hablarían de ello? ¿Cuál pudo ser?

Una música de misterio, la imagen superpuesta de una máscara con los ojos cerrados y la voz en off de una mujer, nos llevan a la siguiente escena, no menos sorprendente: una sala de consulta médica, una mujer elegantemente vestida descansa sobre la camilla, un doctor sexagenario avanza hacia ella con la intención de cubrir su rostro con una venda. Ella grita aterrorizada y se incorpora:

–¡No, ya se lo he dicho, no quiero la venda!
–¿Por qué eres tan reacia? ¿Por qué eres tan reacia a la venda? ¿Te recuerda algo quizá?
–¿Qué quiere decir?
–Oh, nada, Laura, nada. ¿Por qué no vuelves a recostarte y dejas que termine con mi examen? Eres una muchacha enferma, ya lo sabes, y estás muy nerviosa.

¡Qué gran doctor! ¡Ojalá todos los doctores fueran así! Laura es su nuera, aunque él desearía que su hijo se divorcie de ella. De eso hablan los tres, cuando unos minutos más tarde entra el hijo a la consulta. Laura no se quiere divorciar, menuda papeleta, así que le da a su marido una bata de andar por casa que ha llevado en las manos todo el tiempo, esgrimiendo:

–Ten, esto es lo único que me has dado. Puedes quedártelo.

Ese mismo día llega a la mansión del doctor un tal Leónidas, Bela Lugosi vestido de Drácula, amigo de la familia en una época pasada que el doctor prefiere no recordar; primos, aunque acordaron no llamarse nunca así. Leónidas viene acompañado de un enano mudo, Índigo.  Al abrir la puerta, la doncella descubre a Leónidas y el enano. Leónidas exclama:

–¡Mi pequeña paloma! Me alegro de que haya abierto la puerta, madame. Si hubiese esperado un segundo más, Índigo y yo hubiésemos echado la puerta abajo.

La doncella les invita a pasar como si tal cosa, y arranca un trama incomprensible de sospechas, maquinaciones, intrigas y pasadizos secretos, donde todos temen que un pasado turbio y oscuro se rebele contra ellos. Los personajes aparecen y desaparecen, por la casa deambulan periodistas y policías sin que nadie se pregunte por qué demonios están ahí. Todos hablan con frases prefabricadas, todas las escenas parecen la más importante, la última, siempre al límite de la tensión dramática.

Recuerdo esa memorable escena en la que Laura baja las escaleras, notablemente alterada, y llega hasta el salón donde se encuentra una pareja de periodistas. Uno de ellos exclama al verla:

–Bienvenida a su salón, señor Van Ee.
–Gracias, pero no es mi salón. Veo que no está al corriente de mi posición en esta casa.

Laura ve una ocasión fantástica de denunciar el acoso al que se ve sometida por parte del doctor y su hijo, aunque apenas comienza a confesar es interrumpida por ellos. El periodista sin embargo no deja escapar la ocasión para aclarar los hechos:

–Su esposa me ha dicho que la han estado amenazando constantemente.
–Está fuera de sí–, protesta el marido.
–¿Ve lo que le digo, señor Lee?–, dice Laura al periodista–, no pierde ni una sola oportunidad para hacerme creer que estoy loca.
–Quizá pueda explicárselo, señor Lee– dice el doctor. –No creemos que Laura tenga nada malo, pero estamos convencidos de que podría ocurrirle algo a su mente si continúa viviendo con tanta presión.
–¡No puedo decírselo más claro!– exclama Laura al periodista. –Se pasan el día intentando aterrorizarme, me escriben cartas con tinta verde y me envían cabezas de maniquíes envueltas en papel verde. Lo que sea con tal de asustarme y evitar que pueda dormir. Sólo pienso en evitar que me maten.
–Esas acusaciones son muy graves, caballeros–, concluye el periodista.

Minutos más tarde, ese mismo periodista, el señor Lee, charla amistosamente con el hijo del doctor en el salón de la casa. De repente el periodista descubre a través de la ventana, que Leónidas, que está en el jardín, junto al seto, abre los brazos hacia el cielo y se esconde a continuación.

–¿Qué pasa ahí fuera? Tengo derecho a saberlo–, exclama el hijo del doctor. –No veo nada, ¿qué ha sido?
–Es imposible, no puede ser verdad.

A continuación el periodista se encuentra con Leónidas concentrado mientras recita entre dientes unas oraciones frente al cuerpo hipnotizado de la doncella. El periodista se dirige hacia él sin temor:

–Bien profesor, creo que acabo de verle aullándole a la luna.

Estas dos escenas sólo son un botón de muestra de lo delirante de la película. El guion está repleto de frases maravillosas que he ido haciendo mías con el paso del tiempo: «por qué eres reacia a la venda», «bienvenida a su salón» o «me escriben cartas con tinta verde», que me han sido de mucha utilidad en tantas ocasiones.

En definitiva, una de las películas más surrealistas a las que me he enfrentado y que ha dejado una huella indeleble en mí. La verdad es que la veo con cierta regularidad. Su absurda trama, su patética puesta en escena, y el esfuerzo de Bela Lugosi por sostener un personaje incoherente y absurdo, despiertan en mi contrarios sentimientos de vergüenza, bondad y compasión. Me hace reír y me pone extrañamente nervioso a la vez.

Nunca he visto a nadie recomendar películas malas por el mero hecho de ser malas, pero voy a hacerlo en esta ocasión. Se trata de un «verlo para creerlo». Es tan mala que no te decepcionará, y sobre todo, después de ver Miedo a la muerte, cualquier otra película, incluso las que pone Antena3 por las tardes, no te parecerá tan mala, sin duda.

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-Roque.

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Invitados por la Madrid Film Comission, la película El regreso de Elías Urquijo, de la que soy productor y director, participará en el próximo encuentro de coproducción de Capital Regions for Cinema, que tendrá lugar el martes 21 de septiembre en el marco de la 58 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

El encuentro ha sido organizado tanto por la Madrid Film Comission como la Commission du Film d’Ile de France con la finalidad de crear el ambiente propicio para que se puedan llevar a cabo coproducciones entre ambos países. La MFC hace una selección de proyectos que considera de interés y que reúnen una serie de requisitos técnicos y artísticos, y la ofrece a los colegas franceses, ya sean productores, distribuidores, televisiones o inversores privados, interesados en invertir en el mercado español.

Capital Regions for Cinema es una red de centros europeos de producción cinematográfica. El objetivo de la red es poner en común el vasto potencial creativo de las capitales de Europa y desarrollar las condiciones para la cooperación y coproducción. Las capitales europeas involucradas son París, Roma, Madrid y Berlín, y lo hacen a través de los organismos la Commission du Film d’Ile de France, Roma-Lazio Film Commission, Madrid Film Commission y Medienboard Berlin-Brandenburg GmbH.

Desde luego una oportunidad única para subrayar el carácter francés que poco a poco ha ido adquiriendo mi película con el paso del tiempo, y que hoy día es innegable. Estoy convencido de que este encuentro fortalecerá aún más nuestro proyecto, cada vez es más atractivo y sugerente.

Un abrazo a todos.

-Roque.

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El evento tuvo lugar en la Champagne, en el pequeño pueblo de Annéville-la-Prairie, una aldea de apenas unas decenas de habitantes, un entorno idílico para un enlace que no podía perderme, por todo lo que me une a Pierre, al que conozco desde hace ya ocho años y del que puedo presumir como una de las mejores personas que he conocido: generoso, decidido, divertido, honesto y leal.

Pierre ha atravesado por momentos duros en los últimos años y éste era un día para desterrarlos y empezar una nueva vida junto a la que es, sin duda, una de las mujeres más maravillosas que he conocido.

Fue en Madrid el año pasado, ella llegó a esta ciudad de gira con el ballet de la ciudad de Munich para actuar en Los veranos de la Villa. Fue fantástico verla actuar bajo el nocturno cielo de mi ciudad, aquella noche de verano, la primera vez que pude concluir un espectáculo de ballet sin sentirme como un idiota por no haber entendido nada de lo que veía.

A la boda asistieron personalidades del mundo del cine y de la televisión de toda Europa, pero sin duda lo que más me apetecía volver a ver era a Coralie Audret, pareja de Xavier Lafitte, con el que había estado unos días antes en Madrid, coincidiendo con su rodaje de la película Aguila Roja. Adoro a Coralie, me recuerda a Sofía Loren, no sé, tiene un algo especial, la rodea un áura de esas que dicen, un áura que hace que la mires y la mires y no le puedas quitar el ojo de encima. Además Coralie es inteligente, audaz y conversar con ella, un auténtico placer. Pronto estrenará obra en París y no podré perdérmela. Ya os hablaré de ello cuando tenga más detalles.

Con Xavier y Coralie viajé desde París hasta la Champagne, en un viaje-rally por las carreteras de la campiña francesa, luchando por llegar a tiempo a la ceremonia, debido en gran medida nuestro retraso a que Movistar tuvo a bien tardar en darme servicio telefónico en Francia unas 8 horas. A tientas, mendigando los móviles a los extraños, pude localizar a Xavier y Coralie en París y quedar con ellos para emprender nuestro viaje por el norte del País. Finalmente, para asombro nuestro, llegamos a tiempo, aunque tuvimos, eso sí, que cambiarnos de ropa escondidos tras el coche, a pocos metros de la iglesia. Mereció la pena.

La ceremonia fue adorable, breve y adorable, como deben ser las ceremonias. Estuvo amenizada por el encantador coro de amas de casa del pueblo, que compartieron con nosotros su más exquisita selección de temas romántico-religiosos, y conducida por un entrañable párroco al que, sorprendentemente, se le entendía todo, aún a pesar de que mi francés es muy rudimentario.

Finalmente, pasamos el resto del día, entre copas de champagne y exquisiteces varias, en la casa de campo de la abuela de Pierre, un escenario incomparable para un día así. No lo olvidaré, sin duda, y desde aquí les deseo lo mejor, que se lo merecen, de verdad que se lo merecen. Nos vemos pronto, chicos.

Un abrazo.

-Roque.

PD: por cierto, las cabinas de teléfono están en inminente peligro de extinción. Deberíamos hacer algo.

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Como tirar una moneda al aire, cara o cruz, encontrarás a quien le guste y a quien no. Como no había apostado mucho por ella, salí ganando y acabó gustándome.

Guy Ritchie ha creado un Sherlock Holmes para el siglo XXI, más excéntrico, más extravagante y, tras repasar las novelas del Conan Doyle, más original que nunca. Y es que habíamos visto Sherlocks buenos, malos, regulares, pero estaba convencido de que Robert Downey Jr. no dejaría indiferente a nadie. A pesar de que no es santo de mi devoción, me atrevería a asegurar que él es el máximo responsable de esta película, una entretenida propuesta para una noche de verano, sin duda. Se trata de tumbarse y dejarse llevar por Robert Downey Jr. y Jude Law, Sherlock y Watson, unos Butch Cassidy y Sundance Kid a la victoriana, a lo largo de sus dos largas horas de duración.

Desde el planteamiento, la película está concebida para el espectáculo audiovisual, y salvo algún momento de ritmo más lento, el conjunto final funciona, especialmente cuando le sumas la original e inesperada banda sonora de Hans Zimmer a los puñetazos más dolorosos que recuerdo en una película.

Sin duda, el más particular de todos los Sherlocks y un título más para la videoteca.

-Roque.

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Amor mío, te sigo esperando, ¿cuánto dura un día en la oscuridad? ¿Una semana? El fuego se ha apagado. Empiezo a sentir un frío espantoso, debería arrastrarme al exterior, pero entonces me abrasaría el sol. Temo malgastar la luz mirando las pinturas y escribiendo estas palabras. Morimos, morimos, morimos ricos en amantes y tribus y sabores que degustamos en cuerpos en los que nos sumergimos como si nadáramos en un río, miedos en los que nos escondimos como esta triste gruta. Quiero todas esas marcas en mi cuerpo. Nosotros somos los países auténticos, no las fronteras trazadas en los mapas con nombres de hombres poderosos. Sé que vendrás y me llevarás al palacio de los vientos. Sólo eso he deseado, recorrer un lugar como ése contigo, con nuestros amigos, una tierra sin mapas.

La lámpara se ha apagado… y  estoy escribiendo a oscuras…

El paciente inglés, basada en la novela de Michael Ondaatje,
escrita y dirigida por Anthony Minghella

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Puede que yo sea la única persona sobre la faz de la tierra que sepa que eres la mujer más fantástica de la tierra. Puede que yo sea el único que aprecie lo asombrosa que eres en cada una de las cosas que haces y en cómo eres con Spencer… Spens, y en cada uno de los pensamientos que tienes y en cómo dices lo que quieres decir y en cómo casi siempre quieres decir algo que tiene que ver con ser sincero y bueno. Y creo que la mayoría de la gente se pierde eso de ti, y yo les observo preguntándome cómo pueden verte traerles su comida y limpiar sus mesas y no captar que acaban de conocer a la mujer más maravillosa que existe. Y el hecho de que yo sí lo capte me hace sentir bien conmigo mismo.

Mejor… imposible, escrita por Mark Andrus y James L. Brooks y
dirigida por James L. Brooks

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1981 fue también el año de la genial Das Boot, mi película claustrofóbica por excelencia y una de las mejores sobre la II Guerra Mundial, con una inolvidable banda sonora de Klaus Doldinger que, si no conoces, aún estás a tiempo de hacerlo en Spotify.

También fue el año de Carros de fuego, que nunca he conseguido ver del tirón porque siempre me quedo dormido en el minuto 10; el año de Furia de titanes y sus deliciosos efectos especiales, que hace poco volví a ver para encarar el remake; Arthur con Liza Minelli; Rojos, película harto complicada; Piraña 2, bochornosa opera prima de James Cameron, de teta y culo, que narra el delirante ataque de unas inteligentes pirañas marinas voladoras (sic); o El cartero siempre llama dos veces, ejemplo de película al rojo vivo, como la que nos trae aquí hoy.

Pero antes de entrar de lleno con Fuego en el Cuerpo, me gustaría hablar de dos importantes –para mí, claro– películas de este año. Por un lado, El ente, película que no he descubierto hasta hace relativamente poco y que me sorprendió porque, a pesar de tener todos los elementos del género de terror de la época, no ha pasado bien el tiempo por ella, como por Poltergeist, Al final de la escalera o El exorcista. Es un ejemplo de ese terror de finales de los 70, que ya no se hace, y que maneja los tiempos de manera sublime y juega con la psicología de la situación más que con la del hecho paranormal en sí; películas de fotografía sobria, decorados sobrios y movimientos de cámara sobrios.

Por otro lado, quiero mencionar El estanque dorado. Aquel año, Henry Fonda se despedía de nosotros con esta deliciosa película acompañado de alguien que ha dejado una huella indeleble en mí, Katherine Hepburn, la pelirroja de hierro, probablemente la mujer más notable de Hollywood. Esta película, de cuyo primer visionado tengo un recuerdo vago e impreciso, no pasó desapercibida ante mis ingenuos ojos: algo estaba pasando delante de mí, y ese algo era el milagro del cine.

Pero sin lugar a dudas, la película de 1981 que más me influyó es Fuego en el cuerpo, de Lawrence Kasdan protagonizada por William Hurt, Kathleen Turner, Ted Danson y Mickey Rourke, entre otros.

¿Eras demasiado pequeño para Indiana Jones y no lo eras para Fuego en el cuerpo? Obviamente, no vi esta última hasta mucho tiempo después, hasta mi adolescencia, que es precisamente cuando el cine cala más hondo. Además, no están reñidas ambas películas: Lawrence Kasdan no sólo es el director de Fuego en el cuerpo, sino guionista de En busca del arca perdida.

Esta es la historia de un abogado de segunda, Ned Racine (William Hurt), que conoce en un bar del Sur de Florida, durante una calurosa noche de verano, a Matty Walker (Kathleen Turner), la sensualidad y el pecado hechos carne. Aunque ella está casada, eso no les impide iniciar un tórrido romance, que pronto se dará de bruces contra un molesto obstáculo: el marido, rico y celoso. Un acuerdo prenupcial garantiza que la única manera de que Matty reciba el dinero de Edmund es si él falleciese. Ned empieza a tramar un plan para conseguir eso mismo, sin sospechar que tal vez Matty no es lo que parece ser.

¿Y qué tiene para haberme marcado tanto?

• Pues para empezar, Kathleen Turner, ese icono femenino y salvaje de mi infancia, la Sofia Loren de mi generación. Porque la Turner salía en pantalla y comenzaba a subir la temperatura de la sala. Body Heat, Fuego en el cuerpo, fue su primera película, y no paró un instante en los sucesivos años: Tras el corazón verde, El honor de los Prizzi, Julia y Julia, El turista accidental o La guerra de los Rose, fueron títulos que no se escaparon a mi voraz sed de ella. Y cómo ardía la pantalla.
• William Hurt, que representa perfectamente el papel de mal abogado, de anti-héroe, de hombre a medias, de pobre hombre, de cualquiera de nosotros, de tu vecino o de ése que pasa por ahí.
• Con el cine negro me pasa como con el café: o es muy bueno o no me lo puedo tomar. Fuego en el cuerpo tiene todos los elementos del buen cine negro de los 40 o 50: la atmósfera, los decorados, el ambiente espeso casi irrespirable. Hubo un intento a finales de los 70 y principios de los 80 por recuperar ese cine en lo que los americanos denominaron neo noir: Chinatown o El cartero siempre llama dos veces son otros ejemplos. De hecho, si te gusta Perdición todo serán paralelismos: Ned, Matty y Oscar son Walter, Phyllis y Keyes, respectivamente. Pero voy más allá: si nunca has visto una película de cine negro, ésta bien podría ser la primera.
• Dos elementos explosivos: el calor y el sexo, menuda combinación. Ambos forman parte de la médula espinal de la trama: combustión lenta. De ahí van cayendo en cascada, como gotas de sudor que resbalan por una espalda estremecida, la seducción, el crimen y la lujuria. Una realidad distorsionada por noches asfixiantes y pasiones sin control, una realidad que en las películas de los 50 sólo podíamos imaginar y que ahora tenemos la oportunidad de ver.
• Y todo ello aglutinado por la música de John Barry, un inolvidable saxofón que quedará grabado en tu subconsciente para siempre.
• Y unos diálogos para la Historia:

─ No deberías llevar esa ropa.
─ ¿Por qué? Sólo es una blusa y una falda.
─ Entonces no deberías llevar ese cuerpo.

En definitiva, Kasdan trajo al color una sensibilidad que hasta el momento sólo había conocido el blanco y negro y consiguió forjar uno de los thrillers más significativos de los 80, y como ya os he dicho, una de las películas que más me influyó. Permitidme un consejo para estas calurosas noches de verano: apagad las luces de casa, abrid las ventanas y dejad que la brisa meza las cortinas. Servíos una bebida fría, poneos Fuego en el cuerpo, y dejaos llevar por el peligroso juego de la seducción de la mano de Kasdan, Turner y Hurt. Ya me contaréis.

¿Cuál fue tu película de 1981?

-Roque.

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Mal llamada Alicia en el país de las maravillas.

Decepcionado. Esa es la palabra que mejor define el estado en el que acabé. Decepcionado y agotado, por esforzarme durante toda la película para que me gustase y no conseguirlo. Yo sólo quería ver una película sobre el libro de mi infancia, ¿era pedir demasiado?

Decepcionado, porque adoro a Tim Burton y se me escapan las oscuras razones que le han llevado a esta distorsión de la Alicia que habita en los libros y en el subconsciente del público: la trama está distorsionada, para lucimiento de Depp, y balbucea en un sentido y en otro sin definirse claramente en ningún momento, con una batalla final más propia de Dragones y Mazmorras que del libro de Carroll. Más que un homenaje al personaje, parece una venganza: Alicia queda vulgarmente eclipsada por un Sombrero Loco, humanizado, psicoanalizado y, a la postre, absurdo.

Eso sí, bravo por la puesta en escena. ¡Que arda Pandora! Y bravo por Danny Elfman, que sale dando la cara con una partitura prodigiosa y memorable. En Spotify podréis comprobarlo si no lo habéis hecho ya.

En definitiva, decepcionado, porque lamentablemente no ha dejado poso. En mí, claro, porque lo que es en taquilla, aún andan contando los fajos, que no son pocos. Eso sí, buena noticia para futuros directores: la película de Alicia en el país de la maravillas siguen sin estar hecha.

-Roque.

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–Te habría querido… para siempre. Ahora vete, por favor.
–No me hagas esto, Alice, háblame.
–Te estoy hablando. Vete a la mierda.
–No, perdona, no me has entendido. Yo no quería.
–¡Claro que sí!
–¡Te quiero!
–¿Dónde?
–¿Qué?
–Enséñamelo. ¿Dónde está ese amor? No lo siento, ni lo toco. No lo toco. Lo oigo, oigo… oigo palabras, pero no me sirven de nada tus palabras vacías. Digas lo que digas, ya es tarde.
–¡Por favor, no me hagas esto!
–Ya está hecho. Y ahora, por favor, vete.

Closer, escrita por Patrick Marber y dirigida por Mike Nichols.

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1. Palabras sobreestimadas

El planteamiento de la obra es de lo más sugerente: un grupo de amigos íntimos del instituto se reúne años después para darle una fiesta sorpresa al líder de la pandilla. Llegan cargados de ilusiones y de expectativas, pero también de rencores, reproches y cuentas pendientes. Poco a poco, la alegría del reencuentro dará lugar a las frustraciones, a los sentimientos ahogados, a las palabras nunca dichas, hasta llegar a la pregunta crucial: ¿hasta dónde hay que sacrificarse por un amigo?

Pero lo mejor de todo es que será un placer poder ver al gran Pepe Ocio en las distancias cortas, en auténtico y glorioso 3D. Como sabéis, siempre me he declarado un gran admirador de este actor, ya lo hice expresamente cuando alabé su trabajo en la película Camino. A Pepe lo conocí gracias a Marta Nieto, a la que intentaré seducir para que me acompañe a ver Los trapos sucios: me debe una noche de copas.

Junto a Pepe también estarán sobre las tablas Juan Lomé, Moisés Ramos, Alicia González, Berta de la Dehesa, Ana Peregrina y María Bravo. Las entradas se pueden comprar, con descuento, a través de Atrápalo. Estarán los jueves, viernes, sábados y domingos de este mes de junio.

Y si, además, vamos antes del día 13, podemos comenzar dando un paseo por la siempre deliciosa Feria del libro. ¿No os parece un plan fantástico para inaugurar el verano en la capital?

-Roque.

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Es de esas que había que ver, aunque sólo fuera por la nostalgia de la del 81. Y por otro motivo: mi buen amigo Abner Marín, artista del 3D, al que aprecio enormemente, y con el que contaré siempre que pueda, estaba en el equipo de animación de la película. Me esperé para ver tu nombre entre tanta letra, que lo sepas.

He ido a ver la versión 2D, ya que fue él mismo, Abner, el que me advirtió que no la viese en 3D. Me lo dijo hace un par de días, cuando le felicitaba por su cumpleaños, y razón no le faltaba: esta película no fue concebida para la tridimensionalidad, que es postiza, y a la postre, deficiente.

Furia de Titanes hace aguas, y no es por culpa ni del 3D ni de la animación, sino de un guión mucho menos épico que el de referencia, involuntariamente cómico en ocasiones, y de unos actores que han pasado por caja, pero que no dejan huella. Hubiese sido mejor gastar todo ese dinero en darle tres dimensiones a la antigua, aunque sólo fuese por ver a Ursula Andress salirse de la pantalla.

Sam Worthington hace de cabreado: ceño fruncido, mirada clavada en el suelo, mascullando venganza, y se ríe una vez, lo que sorprende mucho, pero se cabrea enseguida, y es como si nada hubiese sucedido. Liam Neeson, en el papel de Zeus, va adquiriendo un extraordinario parecido a Charlton Heston en Los diez mandamientos conforme avanza la película, y Ralph Fiennes, en el papel de hermano Hades, simplemente da risa, por culpa de un maquillaje horrible, y siento ser tan duro, porque a Ralph le guardo un respeto desde El paciente inglés.

Lo mejor de la película, sin duda, ha sido ver a Abner en las letras del final y recordar que desde que hice mi primer documental, Piedra sobre piedra, trabajé con ese chaval, que ahora vive en Londres y trabaja en las producciones más importantes del planeta. Cómo le conocí, por uno de esos caprichos del destino, gracias a Pablo Olivares, Oli, una vez más, merece una entrada aparte.

No obstante, y pese a las advertencias, si aún así decides ir a verla, por favor, no lo olvides: que sea en glorioso 2D.

-Roque.

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Aquí va una pequeña reflexión sobre Avatar antes de la entrega de los Oscars, para que, pase lo que pase, nadie pueda decir que me influyeron los premios, muchos o pocos, no sé, que le pudieron caer. Y es que tanto se ha dicho y redicho de esta película, que no me quedaban ganas de escribir sobre lo que seguramente ya estaréis cansados de leer, y no me he atrevido a hacerlo hasta que he encontrado algo interesante que decir.

Avatar no sería nada sin el espectáculo audiovisual que le acompaña: ¡y qué espectáculo! ¡Menuda experiencia 3D! ¡2D! ¡Como quiera que la veas! Casi todos están de acuerdo en definirla como el gran acontecimiento cinematográfico del año, la revolución del cine, y no sé cuántas otras cosas más. De acuerdo con todas ellas, pero hay algo que no me invita a unirme a ese delirio colectivo pro-Pandora.

Cuando la vi, uno o dos días después del estreno, si bien había quedado tan maravillado con el mundo parece-que-estoy-bajo-el-mar de Cameron como me habían advertido, algo me decía que toda esa tecnología, que toda esa inversión en efectos especiales revolucionarios algún día acabaría siendo superada, del mismo modo que, siempre, desde que el cine es cine, un nuevo efecto especial ha superado al anterior en calidad, realismo o, simplemente, costes de producción. Haced el ejercicio de ver Titanic ahora: menudas sorpresas os llevaréis cuando veáis de nuevo los planos del barco navegando a plena luz del día.

¿Y qué quedará, entonces, cuando los efectos especiales de Avatar sean superados? Pues una historia que ya ha sido contada muchas veces anteriormente, y que es una fórmula con la que Hollywood desde siempre se ha sentido muy cómodo. Es tentador trazar paralelismos entre la historia de Avatar y la de Pocahontas, o la de Bailando con lobos, seguro que se lo habéis oído decir a muchos. Y es que a los americanos les encanta este molde para tratar en la pantalla el tema del choque entre culturas o el racismo. Pero me asalta una duda: ¿no es una forma demasiado racista para tratar el tema del racismo?

A priori pensaréis, ¿racista Avatar? Pero si es un canto en 3D a la integración de un blanco en otra cultura, de la que aprende y se enriquece, y gracias a la cual acaba siendo mejor persona; pero si se trata de una alegoría de cómo el pueblo americano acabó con sus orígenes, masacrándolos, y condenándolos al olvido y a la marginación; pero si es un bello retrato de lo que hacen los ejércitos cuando invaden esos países que a todos nos quedan demasiado lejos…

Ajá, todo eso es cierto, pero recordemos lo que sucede en Avatar: el protagonista, Jake Sully, el blanco, se integra en la nueva cultura, no sólo para formar parte de ella, sino para dominarla y controlarla, lo consigue haciendo volar aquel dragón que sólo unos pocos elegidos han podido doblegar, porque se demuestra superior a los miembros de la tribu y, a la postre, merecedor de gobernarla. Y lo mismo sucede en Bailando con lobos, cuando Kevin Costner se acaba convirtiendo en el indio más guay a este lado del Mississippi. Conclusión: los mejores indios son los blancos cuando se vuelven indios.

Y ese pequeño tic me decepciona profundamente, desde el preciso instante en el que el argumento que se emplea para corregir la conducta no es más que la propia conducta con piel de cordero; como si nos pusiésemos a apagar un fuego con gasolina. Trato de hacer un esfuerzo para comprender estos ademanes imperialistas que, nos guste más o menos, corren por sus venas. Puede que me cueste trabajo por no haber vivido en una sociedad donde casi la mitad de la población es de una raza diferente. Es posible. ¡Y ojo! ¡Lo dice un amante de la cultura (sic) americana! Pero hay un factor que se escapa a mi entendimiento, y si algún lector me puede arrojar algo de luz sobre este tema le quedaré profundamente agradecido.

Sólo hay una cosa que tengo clara de Avatar, cristalina, y es que, visto lo visto, la historia que ha escogido Cameron es exactamente la historia que necesitaba esta película, muy a mi pesar, y, si no, podemos sacar los datos de la taquilla y discutirlo. Es broma.

-Roque.

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Shutter Island no está siendo plato del gusto de todos, lo sé, muchos me lo advirtieron. Pero después de verla, puedo decir que se trata de una película notable, aunque difícil e incómoda, y creo que de ahí, lo impopular. Es posible que esta película de cine negro, como dictan los cánones, no llegue al corazón de la gente, pero es lo que tiene introducirse en una historia que viaja a lo más recóndito de la locura y la paranoia humana, una bella fotografía de la angustia y el miedo con la fuerza narrativa que tanto caracteriza a Scorsese. Un marco incomparable: una isla, un manicomio, un huracán.

DiCaprio, gigante, muestra su lado más explosivo.

Si alguna vez me has querido, haz el favor de callarte.

Le espeta a su mujer, encarnada por Michelle Williams, fantástica siempre. Y otro lujo para la mirada: Ben Kingsley, magnético, y Max Von Sydow, amen. Impagables. Eléctricas las escenas en las que andan juntos los tres caballeros.

Soberbia puesta en escena. Banda sonora de corta y pega, pero excelente selección musical, lista para oír en Spotify, especialmente interesante el tema This Bitter Earth / On the Nature of Daylight.

No niego que Shutter Island tenga sus defectos, que los tiene, pero creo, al mismo tiempo, que es una oportunidad brillante para adentrarnos en el gótico mundo de pesadilla de Martin Scorsese, una oportunidad que no habría que dejar escapar.

-Roque.

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Tenemos que ser humildes, estar agradecidos y pedir perdón por haber fallado muchas veces. Nunca reconocemos nuestros errores. Nos miramos al ombligo, nos encanta nuestro ombligo. Tenemos pósters de nuestro ombligo en casa, cuadros de ombligos llenando nuestras paredes. Creemos que somos artistas, genios alternativos, creadores. Antes de todo eso, somos trabajadores. Nos pagan por hacer un trabajo, y hay que hacerlo bien. Este año ha sido uno de los mejores, pero el siguiente tiene que ser todavía mejor. Los primeros que tenemos que arrimar el hombro somos nosotros. Yo ruedo mañana, así que no me quedo a los canapés.

Discurso de Alex de la Iglesia, presidente de la Academia de Cine, durante los Premios Goya 2010

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Plagadita de guiños a la antigua, la del 41, la de Lon Chaney Jr.. Para mí esa siempre marcó el comienzo del declive del género en el estudio. Y es normal, sólo basta con oír al comisario de policía decir aquello de:

¿Lobos? ¿Mujeres zíngaras? ¿Crímenes? ¿Qué está pasando aquí?

El hombre lobo es una película muy irregular, con momentos de gran tensión, siempre a golpe de orquesta, como viene siendo habitual, y divagaciones demasiado aburridas entre medias; llegué a tener la sensación de haberme dormido entre mordisco y mordisco. Benicio no está mal. Anthony Hopkins hace de Anthony Hopkins, lo que tampoco es novedad, dicho sea de paso. La chica, Emily Blunt, no tiene margen de maniobra para lucirse. Buena ambientación victoriana con el encanto que siempre tiene el Londres oscuro y sucio de los destripadores.

Pero ojo, no quedé decepcionado. No les reprocho nada. Creo que la historia del hombre lobo no da más de sí. De modo que si os atrevéis con ella, ya sabéis: palomitas y a disfrutar con el morphing 2.0 de Larry Talbot, pobre hombre. Si habéis visto la antigua veréis que el nuevo maquillaje no ha traicionado a sus orígenes.

Eso sí, tirón de orejas para el compositor, Danny Elfman, que no se ha volcado con la partitura. Incluso diría que en ocasiones se parece demasiado a King Kong, la de Newton Howard. El sabrá. A lo mejor es que la música para monstruos peligrosos con notables colmillos tiene eso.

-Roque.

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Tom Cruise no supo que aquello fue una película de vampiros hasta tres meses después.

Bowfinger, escrita por Steve Martin y dirigida por Frank Oz.

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Gana en cada visionado. Será porque se trata de Tim Burton en estado puro, o por un sublime Johnny Depp, o una inmejorable Bonham-Carter, o un genial Alan Rickman, al que no imaginaba cantando, o puede que sea por un inesperado Sacha Baron Cohen, o tal vez por el descubrimiento: Jamie Campbell Bower. O puede que por todos a la vez.

Dicen, los que aseguran saber de cine, que esta película no es más que un refrito de lo mejor de sus películas anteriores. Puede que tengan razón, pero lo mismo les pasa a Woody Allen, Martin Scorsese o Steven Spielberg con las suyas y nadie dice nada. Por supuesto que Tim Burton, como todos, tuvo, y tendrá, sus tropiezos, pero Sweeney Todd no consta, ni constará, entre ellos.

Sin duda vale la pena dejarse llevar por esta historia de crímenes y sangre a un Londres oscuro y teñido de hollín, aunque sólo sea por disfrutar de los títulos de crédito, que aconsejo volver a ver, una vez se ha terminado la película, ya que cobran una nueva vida. No os lo perdáis.

Y como se trata de una película musical, aprovecho para recomendaros el interesantísimo repaso que por el género realiza Alberto Lacasa en su blog. Una clase magistral desde los orígenes del cine musical hasta nuestros días. Imprescindible y para todos los públicos.

-Roque.

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Esto me pasa por no seguir la advertencia de mi amigo Miguel del Amo, que me previno de ella a toda costa. Pero bueno, al menos, ahora, puedo confirmar que el proceso de idiotización del pueblo americano sigue su rumbo viento en popa, porque no se podría entender de otra manera. No esperaba nada profundo, desde luego, pero es que ha llegado a producirme vergüenza ajena en determinados momentos. El argumento es tan idiota que ofende a cada minuto. Nada que ver con El día de mañana, que comparada con ésta podría calificarse de cine de autor.

No merece más comentario.

-Roque.

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¿Operadora?

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